viernes, 2 de diciembre de 2016

Echando la vista atrás (8-9-2010) - PEREZA - video de "MARGOT"

SE QUE SIGUEN SIENDO AMIGOS Y QUE SU SEPARACIÓN SE DEBIÓ A QUERER HACER COSAS DISTINTAS QUE NO ENCAJABAN CON PEREZA, ASI QUE AQUI ESTARÉ ESPERANDO QUE ALGÚN DIA SE ANIMEN RUBEN Y LEYVA A DESPERTAR DE NUEVO A PEREZA..... DEJAMOS AQUI ESTA ENTRADA DE SEPTIEMBRE DE 2010






 


PEREZA - "MARGOT"

Por alguna extraña razón me caen bien Ruben y Leyva. Sería un poco hipócrita si digo que conozco a Ruben desde hace muchos años, con sus comienzos en Buenas Noches Roses.
Pero si le pongo un poco de inventiva y exageración tampoco mentiría.
Yo trabajaba en el barrio madrileño de la Alameda de Osuna y de allí surgió los injustamente olvidados Buenas Noches Roses (que grandes letras) y tras su desaparición, empezó a funcionar Pereza y de vez en cuando venía Ruben a ingresar sus pequeñitos cheques de la SGAE y conversabamos algo de música y siempre me preguntaba "que tal con tus Planetas???" pero el capullito (lo digo con cariño) nos informaba de algunos conciertos, pero nunca se dignó a darnos alguna entradita.
Y eso que todo esto fue cuando aún no eran nadie y no habian grabado con Dani "Canto del Loco" y el cantante de Hombres G (olvidé el nombre) esa canción que les impulsó "pienso en aquella tarde"

Con estas premisas, debía de odiar a este grupo, considerarles unos vendidos.... Pero no se porqué, pero me creo a este grupo. Creo que sienten lo que hacen, que les apasiona la música, sus Rolling Stones, etc, etc... Y luego musicalmente cada día me gusta más y les veo bastante sinceros y buenos letristas.
"Animales" es un buen disco y "Aviones" una joyita casi en su totalidad acústica que se degusta poco o poco, pero sin duda "aproximaciones" se lleva la palma, y me parece un magnífico disco, muy Rolling.

El video que nos ocupa es atrevido, polémico, pero precioso y muy sensual. Durante 4 minutos, tres de ellos un primer plano de una joven masturbándose en la cama, y un último minuto donde enloquece el video y aparecen Ruben y Leyva entre destellos de luz y gritos, en un momento como si la joven llegase al orgasmo.
Incomprensiblemente este video estuvo retirado un tiempo de los conservadores de Youtube, y eso que no se ve nada.

Esto es lo que decían del video en su página oficinal.
Espero que les guste:



comentarios acerca del vídeo de Margot por Rubén de Pereza y por el director del video, su hermano Cristian “Titán” Pozo:
Dirigido por Cristian “Titán” Pozo, el vídeo de Margot, el nuevo videoclip de Pereza, vuelve a arriesgar mientras su realizador afirma que “no busca la polémica”.
A pocos dejará indiferentes el videoclip de Margot, el nuevo videoclip del álbum Aproximaciones de Pereza. Con Sofía como protagonista casi absoluta, masturbándose tendida en la cama, el nuevo vídeo de Pereza vuelve a arriesgar y, sin duda, dará que hablar, aunque su director, Cristian “Titán” Pozo, lo tiene claro. “Cuando se me ocurrió la idea de la masturbación me di cuenta que encajaba perfectamente con la estructura del tema”, dice. “La frase que más se repite en la canción es ‘donde estarás esta noche’ y me parecía perfecto que el momento de ver a Margot fuera el tiempo real de su masturbación. Pereza flipó con la idea y a la compañía también le gustó. No entiendo como puedes ver a la hora de comer en la televisión imágenes de muertos o películas de guerra y que una simple masturbación pueda ser censurada”.
“El vídeo no busca en ningún momento la polémica, simplemente es la mejor forma de representar la canción en imágenes”, continúa Titán Pozo. De los 4:06 minutos que dura el vídeo de la canción, la cámara se detiene exclusivamente en la actriz protagonista durante más de tres minutos. Sólo al final, en el cierre instrumental ruidista y distorsionado del tema aparecen Leiva y Rubén, rodeando a Sofía, cuya elección no fue fácil. “Busqué entre actrices famosas, actrices que están empezando, actrices que ya no son actrices… Todas decían que sí a la primera pero después cambiaban de opinión”, dice Titán Pozo. “Cuando conocí a Sofía, en el primer instante supe que era ella. Seguí mi instinto y no me equivoqué. El rodaje fue mágico, uno de los más tranquilos de mi vida, el vídeo ha quedado perfecto y contiene esa esencia de los cómics de Milo Manara”.En palabras del propio Ruben Pozo de Pereza ( compositor de letra y música ) “El videoclip es puro Milo Manara, el maestro del comic erótico por excelencia. El final del video es un saludo a las bandas cock-rock de los maravillosos años 70. Y es que en cada entrega tratamos de ir un poco más allá del videoclip standard. Y arriesgar… Por eso esto no es un video más, es comic en movimiento, maravillosamente entintado, rotulado, coloreado y rodado por Titan y su equipo ( Feng Shui Films ) y, ante todo, el impagable trabajo de Sofía. A Leiva y a mi nos hubiera gustado que hubiera sido hecho de una toma. Sin cortes. Pero las viñetas mandan”.

video.

miércoles, 30 de noviembre de 2016

Coleccionando vinilos - 26 - ECHO AND THE BUNNYMEN - "Porcupine" (1983)


Si no te gusta el pop británico oscuro, de tintes post punk y góticos o si odias el mundo The Cure, te aconsejo que durante las próximas tres entradas no te acerques mucho por el blog porque van a estar dedicadas al combo de Liverpool ECHO AND THE BUNNYMEN.

A precio de ganga me hice con estos tres vinilos.
Incluso iba con dudas de que fueran a tener un sonido óptimo y no estuviese arañada alguna parte.

Ese sonido melancólico, sin prisas, con calma, pero con brío y personalidad hacen a esta banda una de las referentes del panorama post punk gótico.

Hoy hablamos de "Porcupine".
La estructura de las tres entradas va a ser similar con datos técnicos y tracklist al principio, un reportaje sobre su obra sacado de internet y un corta pega de wikipedia muy completo sobre el disco en cuestión.


Echo & The Bunnymen ‎– Porcupine

Sello:
Korova ‎– KODE 6, WEA ‎– 240027-1
Formato:
Vinyl, LP, Album 
País:
Fecha:
Género:
Estilo:

Pistas

A1
The Cutter
3:50
A2
Back Of Love
3:12
A3
My White Devil
4:30
A4
Clay
4:10
A5
Porcupine
5:55
B1
Heads Will Roll
3:28
B2
Ripeness
4:46
B3
Higher Hell
5:00
B4
Gods Will Be Gods
4:10
B5
In Bluer Skies
5:55

Compañías, etc.

·         Mixed At  Air Studios
·         Mixed At  Marcus Recording Studios
·         Recorded At  Amazon Studios
·         Recorded At  Rockfield Studios
·         Copyright (c)  WEA Records Ltd.
·         Distributed By  WEA Records Ltd.
·         Pressed By  Record Service Alsdorf
·         Published By  Zoo Music Publishing
·         Published By  Warner Bros. Music Ltd.
·         Manufactured By  Record Service GmbH
·         Phonographic Copyright (p)  WEA Records Ltd.

Créditos

·         Design  Martyn Atkins
·         Engineer  Colin Fairley, Dave Bascomb*, Dave Woolley*, Paul Cobald*, Steve Prestige, Steve Short
·         Instruments [Nearly All Other]  The Bunnymen*
·         Management  Zoo Management
·         Mastered By  Rays*
·         Photography By  Brian Griffin (3)
·         Producer  Ian Broudie "Kingbird"*
·         Strings [Arranged & Played]  Shankar
Written-By, Composed By  McCulloch*, Pattinson*, De Freitas*, Sergeant*



Un gran trabajo sobre la vida y milagros de Echo and the Bunnymen.
extraído de LA GUIOTECA.


Liverpool, el célebre puerto inglés, saltó a la fama mundial durante los años 60’ gracias a un grupo de cuatro jóvenes de clase obrera que cambiarían para siempre la historia de la música: The Beatles. Y aunque este ciudad británica siguió siendo un referente artístico, como cualquier urbe imperial tuvo su decadencia hasta que otro cuarteto rescató para Liverpool el prestigio de centro motor de la música contemporánea y vanguardista: Echo & The Bunnymen.
La historia dice que Echo & The Bunnymen nació en 1978, bajo la influencia del post punk y de la naciente new wave, aunque desde el principio quiso establecer sus propias directrices musicales. Integrados en un principio por Echo, una drum machine, los Bunnymen eran el cantante y guitarrista Ian Mc Culloch, el guitarrista Will Sergeant y el bajista Les Pattinson. Al año siguiente Echo fue reemplazado por un baterista humano, Pete de Freitas. Con respecto al curioso nombre del grupo (que quiere decir “Echo y los hombres conejito”, un título algo humorístico que contrastaba con el sonido del grupo, denso y atmosférico), el guitarrista Will Sergeant explicaba que “sólo queríamos un nombre que fuera completamente diferente, y Echo era sólo una palabra que nos gustaba. Ahora bien, con lo de “Bunnymen” había una idea detrás, sobre esas criaturas extrañas y sobrenaturales con forma de conejo que sólo existían en las leyendas”.
Los Echo & The Bunnymen impactaron desde el origen, gracias a su inconfundible rango sonoro, donde la guitarra cumplía un rol estelar. Su disco debut, “Crocodiles”, de 1980, no pudo ser más formidable. Una suerte de pop dramático y existencial, con guitarras envolventes, una batería que experimentaba con ritmos tribales y un bajista que parecía moverse en ciclos. Todo acompañado de la magnífica voz de Ian Mc Culloch, tan magnética como carismática. Las influencias de The Velvet Underground, Television, The Doors y David Bowie sólo enriquecieron un trabajo que tomó por sorpresa a la prensa musical de la época.
Al año siguiente el grupo lanzó “Heaven up here”, una de sus obras maestras y quizás el disco favorito de los fans más acérrimos. Producido por Hugh Jones, el disco desata definitivamente todo el poder de la banda, donde la guitarra de Will Sergeant crea texturas psicodélicas fascinantes, mientras la voz de Mc Culloch ataca desde alturas insospechadas, buscando rescatar paraísos perdidos. El tema que más destacó de esa placa fueron la poderosa “Show of strenght” y “a promise”, una hipnótica canción suspendida en una atmósfera de onírica expresión: “Dices que algo va a cambiar/ estamos todos vestidos/ como para ir a alguna parte/no hay señales de lluvia/ pero prometiste/ que algo va a cambiar”, dice una parte de la letra.
Después de recorrer escenarios de Europa, Estados Unidos, Australia y Nueva Zelandia, el grupo lanzó en 1983 su tercer disco, “Porcupine”, un disco marcado por la psicodelia. Aquí las guitarras de Sergeant conviven con sintetizadores y el violín indio de Ravi Shankar, mientras las letras de Mc Culloch se revisten de un inquietante pesimismo lírico. Dos de los temas más destacados fueron “The cutter”, una verdadera afirmación de personalidad: “Aprendiendo a dominarme/ hasta ver que se aproxima otra valla/ afirmemos que podemos, afirmemos que lo haremos/que no seremos tan sólo otra gota en el océano..”; y “the back of love”, donde el vocalista remarca en la letra su zozobra del espíritu: “Dices que es amor/te refieres al reverso del amor/aprovechemos de rompernos las espaldas del amor”.
Con grabaciones alternadas entre estudios de París y Liverpool, y acompañados por primera vez de una orquesta, Echo & The Bunnymen presentó en 1984 su alabado cuarto disco, “Ocean Rain”, un álbum que para sus integrantes era simplemente una obra maestra: “ “Ocean rain” es la mejor obra de arte después del David de Miguel Angel”, dijo a la prensa Ian Mc Culloch, con su habitual seguridad, la misma seguridad que algunos críticos tildaban derechamente de soberbia o petulancia. Cierto o no, este disco, una verdadera maravilla de romanticismo brumoso, teñido de electricidad cristalina y poética, contiene canciones de gélida belleza, como la sublime “The killing moon” (para muchos la mejor canción del grupo), donde las guitarras acústicas y eléctricas despejan de bruma la poética noche del alma; “Ocean rain”, la madre de todas las baladas épicas; “Silver”, un tema henchido de clasicismo elegante, y “My kingdom”, marcado por guitarras leves y desbocadas.
Por esa época la prensa británica se empeñó en rivalizar a los Bunnymen con U2, un emergente grupo irlandés que en unos cuantos años más iba a conquistar América (y el mundo). Mc Culloch, consultado por esta rivalidad, sólo expresó que “U2 hacen música para albañiles y fontaneros; nosotros somos una banda de océanos y montañas”.
En 1985 el grupo lanzó “Songs to learn and sing” (”canciones para aprender y cantar”) un soberbio disco recopilatorio que contenía los temas más destacados de sus cuatro álbumes, acompañado de un tema inédito, el encantador “Bring on the dancing horses”, un excelente tema que contenía un potencial comercial que quizás acabaría siendo la condena del grupo. En 1987 el grupo lanzó su quinta placa, llamada simplemente “Echo and the Bunnymen”, un trabajo más producido y accesible, aunque con canciones igualmente enormes. De ese disco varios temas encabezaron los rankings alternativos, como “lips like sugar” y “The game”, donde Mc Culloch canta la frase “The earth is the world/ the world is the ball/ the ball in the game…”, frase que sería homenajeada por el fallecido Gustavo Cerati, en el tema “El ojo de la tormenta”, incluida en “Sueño Stereo”, el último disco de estudio que lanzó el grupo argentino Soda Stereo. (Aquí Cerati canta: “La tierra es el mundo/, el mundo es la bola/, la bola es tu juego…).
Separación y regreso con gloria
1988 y 1989 no fueron años buenos. Cuando América se preparaba para recibir al grupo con los brazos abiertos (la banda ya había grabado un exitoso cover del tema “People are strange”, de The Doors, la canción principal de la película “Generación Perdida”) Ian Mc Culloch abandonó el grupo para grabar su primer disco solista, el baterista Pete de Freitas falleció en un accidente de motocicleta y los dos miembros restantes de los Bunnymen lanzaron en 1990 el disco “Reververation”, acompañados del vocalista Noel Burke. Este disco, sin ser un mal álbum (las guitarras son de antología, aunque una voz como la de Mc Culloch es difícil de olvidar), pasó sin pena ni gloria e indignó al mismo Mc Culloch, a quien las cosas tampoco parecían irle bien en solitario.
Años más tarde, en plena eclosión del brit-pop, cuando decenas de nuevos grupos reivindicaban el valioso legado de Echo y “los hombres conejo”, Ian Mc Culloch, Will Sergeant y Les Pattinson resucitaron de nuevo a los Bunnymen, lanzando en 1997 el disco “Evergreen”, un regreso notable grabado desde una serena madurez y donde la psicodelia del pasado se contiene en pos de canciones en mejor forma. El grupo, así, volvía a tiempo para codearse con bandas como Oasis e iluminar el sendero que seguirían grupos como Coldplay, declarados fanáticos de los Bunnymen. Lo mejor de “Evergreen” son, sin duda, las baladas, donde destaca la hermosa “Nothing lasts forever”, un temazo que eriza los vellos y cuenta en los coros con la voz de Liam Gallagher, vocalista de Oasis. McCulloch se refirió “humildemente” a esta canción como el resultado de la unión de “el mejor cantante de los ochenta con el mejor cantante de los noventa”.
En 1999, ya con el bajista Les Pattinson alejado definitivamente del grupo, Mc Culloch y el guitarrista Will Sergeant, los únicos dos Bunnymen originales, sacaron el disco “What are you going to do with your life”, un intimista disco con bellos arreglos y algunas baladas impecables, y “Flowers” (2001), disco cargado de destellos eléctricos.
En el año 2005 el grupo se elevó de nuevo a alturas gloriosas con el disco “Siberia”, quizás porque contaron de nuevo con la producción de Hugh Jones, el mismo productor de “Heaven up here”. En canciones como “stormy weather” y “in the margins” la guitarra de Sergeant sigue siendo cristalina y magnífica, el bajo hereda el viejo pulso de Les Pattinson y hasta la batería recuerda el sonido de las cajas del fallecido Pete de Freitas. Lo curioso es que en este disco la siempre poderosa voz de Mc Culloch suena más reposada, lo que se explica por un accidente que el propio vocalista se encarga de detallar. “Sufrí una afonía una semana antes de grabar así que perdí totalmente la voz antes de entrar a grabar los temas, pero no importó demasiado, ya que de todas formas el 50 por ciento de mi voz es mejor que el 100 por ciento de la de cualquier otro cantante”.
En el año 2009 el grupo lanzó “The fountain”, un trabajo donde mantenían su hermosa estructura melódica con destellos guitarrísticos y en el 2014 sacaron su último disco a la fecha, “Meteorites”, un trabajo, como siempre, alabado por la crítica. “Siempre hemos intentado hacer discos atemporales, no sujetos a las características de un momento determinado, ni en el sonido, ni en los arreglos, ni en las letras”, opinó Ian Mc Culloch sobre la actitud con la que suelen encarar todos sus trabajos.
A fines del 2014 Echo & The Bunnymen se apronta a visitar por primera vez nuestro país (ya habían visitado Argentina y Brasil a fines de los años 80’, pero no habían pisado jamás este lado del Cono Sur). Una deuda pendiente que seguramente los Bunnymen van a pagar con gusto y que sus fans de este lado del mundo les han perdonado gracias a 35 años de impecable carrera.



Por último, vía wikipedia, un gran reportaje sobre este disco.


Porcupine es el tercer álbum de estudio de la banda británica de post-punk Echo & the Bunnymen, publicado el 4 de febrero de 1983. Se convirtió en el mayor éxito de la banda llegando al segundo puesto de la lista británica de álbumes, a pesar de la mala recepción inicial por parte de la crítica. Entró en la lista estadounidenseBillboard 200 en el puesto 137,2 mientras que la revista canadiense RPM lo posicionó en el puesto ochenta y cinco de su lista de los más vendidos y llegó al puesto veinticuatro de las listas suecas.3 4 En 1984, la British Phonographic Industry le otorgó un disco de oro por vender más de 100 000 copias.5 Del álbum se extrajeron los sencillos «The Back of Love» y «The Cutter».
Se grabó en tres estudios diferentes: los Trident Studios de Londres, los Rockfield Studios de Gales y Amazon Studios de Liverpool. La producción corrió a cargo deIan Broudie, acreditado como «Kingbird», quien ya había coproducido el álbum debut de la banda, Crocodiles (1980), y su segundo sencillo «Rescue». Después de que la discográfica de la banda en un inicio rechazase el disco, se regrabó con la colaboración de Shankar tocando los instrumentos de cuerda. Se publicó primeramente en LP en 1983 y después relanzó en formato CD en 1988. En 2003 se reditó en CD, junto con los otros cuatro discos de los primeros cinco de la banda, en versión remasterizada y expandida. Además, se publicó un VHS titulado Porcupine – An Atlas Adventure que contiene seis vídeos promocionales de las canciones del disco.


Producción

Antecedentes y grabación

Después de la publicación de Heaven Up Here en 1981, Echo & the Bunnymen atravesaron ciertas dificultades para la composición del material nuevo para su siguiente disco, a pesar de trabajar cinco días a la semana en su sala de ensayos de Liverpool, The Ministry.6 Mientras que el vocalista Ian McCulloch quería que fuesen la mejor banda del mundo, el bajista Les Pattinson mostraba sus recelos hacia la industria musical, el batería Pete de Freitas producía y tocaba para la banda de Liverpool The Wild Swans en su sencillo debut «Revolutionary Spirit» y Will Sergeant grababa su álbum debut en solitario de música instrumental llamado Themes for 'Grind' (1982).6
El 27 de enero de 1982, Echo & the Bunnymen, grabaron su cuarta sesión en el programa radiofónico del disc jockey británico John Peel para la emisora BBC Radio 1. De las pistas grabadas, renombraron «Smack in the Middle» y apareció en el disco con el título de «Higher Hell», mientras que «Taking Advantage» pasó a llamarse «The Back of Love» que también aparece en el disco y se convirtió en el tercer sencillo de la banda.7 Escogieron a Ian Broudie, quien coprodujo Crocodiles de 1980 y quien era el compañero de piso de Sergeant, para producir «The Back of Love» y el tercer disco de la banda, cuyo título inicial era The Happy Loss.7 8 El sencillo, que se convirtió en el primero en entrar en el top 20 del Reino Unido, se grabó a comienzos de 1982 en Trident Studios en el Soho, Londres. Grabar en dicha ciudad fue una novedad, ya que el mánager de la banda, Bill Drummond, hasta ese día les había mantenido alejados de las tentaciones de la capital.9 Las sesiones de grabación de «The Back of Love» fueron bien, pero las relaciones entre los miembros de la banda estaban tensas; algunos de ellos no se hablaban o cuando lo hacían era para discutir.10 Drummond era consciente de estas tensiones, por lo cual arregló una gira por Escocia en abril de 1982, para intentar conseguir que la banda trabajase más, compusiese algunas canciones y se comunicasen entre ellos.7 El plan de Drummond falló, ya que después de los conciertos la tensión seguía igual entre los integrantes del grupo.11 Aprovecharon la gira por Escocia para tocar dos canciones inéditas que después aparecieron en el álbum: «Clay» y «My White Devil».11
Después del lanzamiento de «The Back of Love» el 21 de mayo de 1982, la banda pasó el verano, en primer lugar tocando en el primer WOMAD y después tocando en diversos festivales veraniegos europeos.9Después del período estival, la banda continuó con sus grabaciones en los Rockfield Studios en Gales del Sur, donde ya habían grabado sus dos primeros discos, y en los Amazon Studios de Liverpool. El proceso de grabación fue lento. De Freitas comentó: «Porcupine fue duro de componer y de grabar [...] Heaven Up Here fue pura confianza, lo hicimos realmente rápido; nos divertimos mucho haciéndolo – pero este fue como si tuviésemos que obligarnos».8 McCulloch después dijo que mientras grababan el disco, la atmósfera entre los integrantes de la banda era «horrible».9
Cuando entregaron el álbum resultante a Warner Bros. Records, éstos lo rechazaron por ser «demasiado poco comercial».12 La banda aceptó regrabar el disco, a pesar de las quejas de Sergeant. Usando la versión original del disco como anteproyecto, las sesiones de grabación fueron más tranquilas. Drummond contrató a Shankar para añadir las pistas de instrumentos de cuerda. De estas sesiones salió el siguiente sencillo de la banda, «The Cutter», publicado en enero de 1983 y que significó el primer sencillo de la banda en entrar en el top 10 británico.13 14

Porcupine – An Atlas Adventure

Después de que Echo & the Bunnymen terminasen la grabación de Porcupine, tocaron un concierto gratuito antes unas 20 000 personas en el Sefton Park de Liverpool. Después de esto, WEA pidió tres vídeos musicales y un nuevo diseño gráfico para el disco. Contrataron al ingeniero de luces de la banda, Bill Butt, para dirigir los vídeos y a Brian Griffin para sacar las fotografías para la portada del disco al igual que para los anteriores dos discos.15 Con un presupuesto de 16 000 £, Butt decidió que además de las fotografías para la portada, tendría bastante para hacer una grabación audiovisual de media hora de duración.16Decidió que quería que los vídeos reflejasen la sensación de frío del disco,16 por lo que rodó los vídeos en Escocia. Sin embargo, al no contar con la seguridad de que hubiese suficiente nieve en noviembre en Escocia, finalmente trasladaron el rodaje a Islandia.16
Se filmó cerca de la cascada helada de Gullfoss, cerca de Reikiavik. McCulloch comentó en 1993 sobre el proceso de rodaje y sus peligros: «Si nos hubiésemos resbalado, no había nada a cientos de pies debajo nuestro».16 Griffin dijo en 2001: «[...] el sol casi no apareció en todo el tiempo que estuvimos allí. Era un esfuerzo enorme para andar, levantarnos o incluso pensar».16 A pesar del peligro, el rodaje obtuvo su gratificación cuando la revista musical británica Q comentó en 2001 que «La portada de Porcupine personifica el arqueotipo de una banda de rock heroica — hombres jóvenes en una confusa pero gloriosa misión, eterna como las estrellas o el mar».17 El rodaje concluyó en diciembre de 1982 con la banda tocando las canciones del disco en su local de ensayo en The Ministry. Butt intercaló el ensayo con piezas del documental ruso de 1929 El hombre con la cámara y proyectó efectos de acuarela psicodélicos sobre los integrantes de la banda.17 Castle Hendring publicó un vídeo VHS, titulado Porcupine — An Atlas Adventureen 1983, que incluye seis vídeos musicales: «In Bluer Skies», «The Cutter», «My White Devil», «Porcupine», «Heads Will Roll» y The «Back of Love».
El periodista musical describió la portada del disco en la publicación británica Smash Hits, diciendo: «Islandia parece un lugar apropiado para esta banda. Aislado, frío, inhóspito y encaja perfectamente con la imagen taciturna que se han impuesto».18

Música

Después de que la compañía discográfica WEA rechazase la versión inicial del disco, Drummon contrató nuevamente a Shankar, quien previamente tocó instrumentos de cuerda en «The Back of Love»,9 para añadir cuerdas al resto del disco y así intentar darle una producción más brillante y para construir sobre el éxito de aquél sencillo.12 Cuando grabaron «The Cutter», Sergeant pidió a Shankar que insinuase lamelodía del éxito de Cat Stevens de 1967 «Matthew and Son».9
McCulloch dijo en 1984: «Creo que Porcupine fue un típico álbum autobiográfico, la cosa más honesta que jamás haya compuesto o cantado».19 Hablando sobre cómo le hacía sentir el disco, dijo que «encontraba el material muy duro de interpretar, como muy opresivo. Es la única razón por la que no me gustaba el álbum. Las canciones eran geniales, pero no me hacían feliz».19 También dijo que «muchas de las canciones son sobre aceptar los extremos dentro de mi».20

Recepción


Después de la publicación de Porcupine en 1983, el periodista de NME Barney Hoskyns escribió una reseña negativa del disco. Hoskyns comento: «Porcupine es un penoso evento de un grupo de rock excitante e importante atrapado en sus puntos más fuertes, una fuerza dinámica esforzándose infructuosamente en escapar del brillante camino que tiene detrás». Hoskyns comparó el sonido del álbum con la banda «dependiendo de sus propios grandes éxitos y atacándolos». También criticó las letras de McCulloch y el clima general del disco, afirmando que «sólo en la canción "Porcupine" parece que se fusionen las desesperadas tensiones», y desestimando toda la segunda parte del disco diciendo que «horroriza más por su constante falta de inspiración, siendo que cada tema se parece a las anteriores sin nada de energía ni inventiva».22
En la primera reseña de Allmusic, describieron Porcupine como un «lanzamiento sólido»; una «escucha notablemente mejor que el de su predecesor, Heaven Up Here» y que «bien merece una escucha».1 Cuando hicieron la crítica de la versión remasterizada de 2003, añadieron que «la reedición es una expansión muy bien hecha de un álbum ya de por sí bueno».25 Pitchfork Media dijo del álbum que era «la afirmación definitiva de la banda» y describió la canción «The Back of Love» como «el increíble momento de la carrera del grupo».23 El disco apareció en las listas de lo mejor de 1983 elaboradas por la crítica de Melody Maker, donde se posicionó en el noveno lugar,26 y en NME, en el puesto número treinta y dos.27 El álbum también figuró en el libro de 2006 1001 Albums You Must Hear Before You Die.28
El disco alcanzó el puesto número dos en las listas británicas,14 el 137 en el Billboard 200 estadounidense,2 el ochenta y cinco en la lista candiense,3 y el veinticuatro en la lista sueca.4 Echo & they Bunnymen recibieron un disco de oro entregado por la British Phonographic Industry, gracias a las ventas superiores a 100 000 copias en el Reino Unido.5 De los sencillos extraídos de Porcupine, «The Back of Love» alcanzó el puesto número diecinueve en la lista UK Singles Chart, mientrsa que «The Cutter» alcanzó el puesto número ocho.14 Además, «The Back of Love» se convirtió en el primer sencillo de la banda en entrar en lalista irlandesa de sencillos donde alcanzó el puesto número veinticuatro,29 mientras que «The Cutter» llegó al número diez. El sencillo «Never Stop (Discotheque)» alcanzó el puesto número quince en la UK Singles Chart y el ocho en el Irish Singles Chart.14 29

Lanzamientos

Porcupine se publicó primeramente en formato LP a través de la discográfica Korova el 4 de febrero de 1983 en el Reino Unido,30 mientras que se lanzó el 23 de febrero del mismo año en Estados Unidos, a través de Sire Records. El disco original contiene cinco pistas en cada cara. Al igual que los álbumes previos de Echo & the Bunnymen, Martyn Atkins diseñó la portada y Brian Griffin se encargó de la fotografía.15 Se lanzó en formato CD por primera vez el 7 de abril de 1988.
En 2003, Porcupine se remasterizó y reeditó en CD junto a los otros cuatro primeros discos de la banda; estas reediciones se conocen como las ediciones 25 aniversario. Se añadieron siete pistas adicionales al disco: «Fuel», que era la segunda cara B de la versión del sencillo doce pulgadas «The Back of Love»; versiones alternativas de «The Cutter», «My White Devil», «Porcupine», «Ripeness» y «Gods Will Be Gods» que son versiones primeras de las sesiones de grabación del disco; y «Never Stop (Discotheque)», versión doce pulgadas del sencillo que no aparece en el disco y se publicó después del lanzamiento dePorcupine.30 Las versiones alternativas de «My White Devil», «Porcupine» y «Ripeness» eran inéditas hasta el momento. Andy Zax y Bill Inglot fueron los encargados de la producción de la reedición de 2003.


Dos de las pistas del álbum Porcupine original se extrajeron como sencillos. El primero fue «The Back of Love», publicado el 21 de mayo de 1982, mientras que el segundo fue «The Cutter», publicado el 14 de enero de 1983. «Never Stop (Discotheque)», que en un principio fue un sencillo que no aparecía en ninguno de sus discos, se lanzó el 8 de julio de 1983, y se incluyó en la versión remasterizada de 2003 como pista adicional.